the coming创作的一系列陶瓷花瓶｜2024年
设计，如何保持创作者的个性、让人get到值得玩味的内涵，又不至成为晦涩的观念艺术？Yangzi的选择是与潮流保持审慎距离，而对于流行之下所反映的社会情绪，也会认真做一份回答。从严谨克制的不锈钢器物，到温润自然的陶瓷手作物，正是她体会到的时代情绪的变化，也是追随自己直觉的结果。从控制到拥抱不确定性，也从理性走向本真。
Q：
本次参展作品的设计理念/解决痛点？
A：
本次参展的核心系列是以“关守石”（又称“止步石”“暂停石”或“留石”）为灵感的可移动氛围灯。外观基本保持传统石的造型形式，并结合手工绳结。石头采拾自景德镇周边的山中。
Yangzi在日本旅行时拍下的照片
设计师注：在日本的庭院或寺庙佛阁内是否看到过用绳绑起来的石头？此类石头名为“关守石”，有“由此不可往前通行”之意，通常由黑色的棕榈绳十字捆绑而成。有时也被用作通往茶道庭院或茶室的空地上的垫脚石。另，当道路被划分成几条时，暂停石也被用来做引导。它的造型虽为简单，易与周围景观融为一体，但也扮演者界标和路标等各种角色。
A：
现代生活的快节奏令人难免感到边界模糊、混乱、甚至透不过气。产品理念是借“止步石”的意涵平移到我们的生活中，无论在家中、工作环境、抑或随身的日常场景，可以制造一个小小的“结界”：小灯亮起，意味着内心秩序感的营造。它可能不是众所周知的符号，让他人立即明白“停止”或“不再越界”的意义，这种边界秩序感更像是向内为自己建立，是属于自己的锚点。
Q：
遇到的挑战及应对策略？
A：
使用全陶瓷做灯具本身即是挑战，材料并不是常规泥料，而从泥料配比，色料配色到烧成温度，全部是从零开始探索。只能花时间反复试验，耐心推进，直至获得理想结果。
陶瓷花瓶的设计过程
Q：
从早期的不锈钢系列到PRO轮廓、针织系列，设计经历了哪些变化/延伸？
A：
我似乎一直在探索用设计表达自己感受到的时代的情绪。设计于我是门语言，如何呈现意味着用什么样的言语来诠释和描述对世界的感知。早期的金属产品，旨在用器物表达精准的、一丝不苟的控制感，是克制和秩序，一定程度反映了我在英国接受的设计教育以及浸润在当时社会环境中感受到的方方面面，不锈钢镜面的表达成为那个阶段的集成式输出。后来的陶瓷产品，随着与材质磨合，与自身成长的磨合，我在感知材料本身，它也在改变我。早期的控制感逐渐减弱，开始接受不可控制性，期待与材质的磨合带来的惊喜。
the coming创作的一系列不锈钢家居产品
Q：
品牌的独到优势，以及未来五年的愿景为何？
A：
品牌在认真探索美学观点。每个时代的美学观点都会随着社会形态、社会情绪发生种种微妙的变化，我们对这些变化的感受是前瞻而深刻的，会潜意识地吸收，沉淀，转化。然而，我的创作倾向与潮流保持一点“延迟”距离，但仍会用自己的方式回应关心的命题。目前期待把属于品牌的基因积累扎实，其它会顺其自然发生。
针织合作系列-花瓶
Q：
支撑您独特设计语言与审美背后的重要因素？
A：
可能尽量一开始不以做外观为目标，外观是最后的结果。设计的结果是思维观点结合功能、使用、目的等要素不停糅合后最终的落点呈现。此外，不应把自己局限于行业内，意识到我们首先是人，人与人之间有着非常底层和共通的东西。广泛地吸收、去作为人生活，旅行、去见人、爱人，看新闻，看世界究竟发生着什么。各个行业都有它的表达，这个阶段我们并非仅作为设计师而存在，我们广泛地跟世界发生着连接。
TABLEWARE系列-金属餐具｜2021年
ORDERLY(井然）｜银、玻璃、不锈钢｜2024年
对周银坤而言，设计并不是可预设的结果，而是探索过程中一个个回顾时的节点。不断的尝试和实验，具象的创意便会自然地浮现。他的作品充满硬核、不羁的色彩，这不仅是审美表达，更是他「向外汲取、向内对话」成长经历的具象化。秉持着开放的心态，珍视真诚的批评，这成为了他迭代与精进自我的养分。
Q：
本次参展作品的设计理念/解决痛点？遇到的挑战及应对策略？
A：
本次参展作品包括三个系列ORDERLY(井然）、SA(卅）以及MONOLITH (碑）。核心理念是呈现逐步走向个性化、私人化的创作表达，其中包含了对过往设计、审美体验、以及实践关键节点的回顾。作品的性格气质趋于内敛、沉淀与向内探索。特别是MONOLITH(碑），意味着独立表达、专注自我，面向未来，以及塑造内心的力量感。它的造型也是设计师个人意志的具象表达，外观如纪念碑般向上突破，象征着时间力量带来的冲击与革新，打破旧序、交融新生。
MONOLITH (碑）- 落地灯
A：
最大的挑战大概是在自我肯定和否定间的反复横跳。对此的解决途径是试错，通过反复实践验证内心构想，代价是发现“错误”时感受的阵痛，当然也有不断接近目标时的亢奋，因此我的创作周期往往较长。
Q：
您的作品选用银、玻璃材质，对这些材质感兴趣的原因？
A：
这个选择并非预设，而是大量材质试验后的偶然发现。我尝试过混凝土以及各种回收材料再造；工艺上尝试过铸造、雕刻、热处理等各种不同工艺。在不同材质与工艺的交融实践中发现，银和玻璃在融合的过程经由“暴力”的加入能形成特殊肌理，给人超现实的想象。
MONOLITH (碑）肌理细节
这种特别的肌理是在高温高压的条件下制作得来。斑驳感酷似月球表面，蕴含着物质化学反应具有的天然神秘感。
Q：
曾在本土创造、SINGCHAN DESIGN的工作经历对您后续创作有何影响？
A：
本土创造是我成为设计师的起点。在此期间经过大量学习实践，形成了我的创作思维逻辑、产品创作所需的外在条件认知，可以说这个阶段是由外向内的构建。2020年开始参与SINGCHAN DESIGN的项目，则是步入了向内的自我验证开始。陈星宇是国内顶尖的原创设计师之一，他的创作方式和品牌搭建给予包括我在内的一批设计师探路非常好的示范和借鉴意义。
SA(卅）-茶几/边几｜玻璃、不锈钢、银、金｜2024年
Q：
您认为品牌目前拥有的差异化是什么？
A：
在当前行业语境下，单纯的功能与造型已难以构成核心差异化。真正的差异化在于作品承载的创作者思想与创作过程，它们赋予用户独特的情绪体验和价值感知。
曲径和风·石 屏风｜白枫木｜2017年
设计中出现的各种问题对设计师而言绝对称不上享受，却时常给她正反馈：看似的“错误”改一改，反而变成了珠玉。钟情于东方文化的郭璐璐，精于将现代人喜爱的形式，与东方精深的精髓融会贯通，赋予家具独特的生命气韵。她用一份润物细无声的匠心，带我们接近祖先留下的智慧。
Q：
本次参展作品的设计理念/解决痛点？
A：
本次参展作品是 “石系列”，代表作为宽扶手椅。整个“石系列”是由扁平方形构件构成，通过切割与巧妙穿插组合成整体形态。系列中的每件作品贯穿同一设计逻辑，但又各具独特结构与造型。扁平方构建既是结构，又构成了作品的外形，相当于把内部结构外露，设计成优美的姿态。主旨在于呈现纯粹的几何美， 并展现不同组成方式时产生的丰富变化。像是把中国传统文化里的榫卯结构的节点放大，非常直观地展示其连接精髓。
我本身研究东方文化，设计风格可概括为：几何、结构、建筑、东方。我希望用现代的语言表达东方文化的精髓，让每件作品都是“有灵魂”的。
理石·扶手椅｜白橡木｜2021年
Q：
遇到的挑战及应对策略
A：
挑战在于后腿的弯折设计。在这个系列的系统中，后腿原应笔直，但直立无法完美承接宽扶手。经过多番尝试，最终确定了弯曲形态，使其既能承接下方梁体，又与上方宽扶手完美衔接。期间进行了大量数值的测算，最终后腿的弯折形态与坐板、背面弯折相呼应，反倒意外成为作品的一大亮点。
我的一个创作规律是：每当遇到问题，解决的过程中常常会催生出新的造型。有时即便设计图纸已定，生产环节出现变数，处理的结果反而也常常变成作品的点睛之笔。
SUN3 茶几｜白橡木｜2021年
Q：
您学生时代修习“传统造物设计”专业，其独特之处为何？
A：
这个专业主要专注于东方文化，学习期间涉猎大量东方传统手工艺，比如榫卯、竹编、大漆、造纸、扎染、陶瓷、琉璃、蜀绣、蜀锦、景泰蓝等。聚焦思考如何创作出形式现代而内核饱含东方气韵的作品，尤其注重精神层面，即“气”的层面，非仅限外形。之前新认识的朋友，他第一次看到我的作品时就说“气很足”，我非常开心，说你真的懂我的作品。
Q：
品牌的最大优势是什么？
A：
品牌最大的优势在于拥有一个庞大而独特的“设计体系”，体现于理念与造型。所有作品之间既相互关联，又各具独特面貌，每一件都是前作的发散与延续。这构成了我独一无二的设计语言和表达方式。
殿下系列-椅
Q：
从事家具设计行业多年，您设计经历了怎样的发展/延伸？
A：
在学生时代我虽能设计出优秀单品，但在发展成系列时常感困顿，作品难以形成连贯且品质一致的系列。
历经三四年探索，我终于做出了“石系列”，它的出现让我感受到自己形成了个人的设计体系，这个系列有严谨的内在逻辑，又可以在不同组合方式中发展出多样形态（如柜、桌、椅）。比如我确定了几何结构、榫卯为核心元素，“殿下系列”延续了这一理念，但在结构上做出了变化；去年底的“超级工厂系列”，则通过两片扁平方的组合形成部件，风格独立而整体现代。“石系列”的诞生，使我的整体设计拥有了连贯的体系，为后续作品奠定了基础。
殿下系列-井字边几
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